JUDAS PRIEST / FIREPOWER

前作『REDEEMER OF SOULS』がバンド史上最高の全米6位というチャート・アクションを記録したメタル・ゴッド、JUDAS PRIESTの通算18作目となるアルバム。

本作もチャート・アクションは過去最高に好調で、全米チャートは前作を上回る5位を記録し、初のTOP5入り、そして彼らの母国であるイギリスでも5位と、1980年の『BRITISH STEEL』以来38年ぶり（！）となるTOP10入りを果たしている。

そう、JUDAS PRIESTはメタル・ゴッドなどと、メタル・ファンの間では持ち上げられつつ、1980年代のメタル全盛期でさえ、チャート成績的には10位台から30位台程度、いわゆるTOP40クラスの「中堅」だった。

そういう意味で、アメリカはともかく母国イギリスではIRON MAIDENの人気に及ばなかったし、もちろんアメリカや世界的に見るとMETALLICAの圧倒的な人気には比べるべくもない商業的成功規模である。

しかし、JUDAS PRIESTが「メタル・ゴッド」である所以は、ヘヴィ・メタルという音楽のスタイルとイメージのオリジネイターであるという点と、NWOBHMや、LAメタル勃興前のアメリカに刺激を与えたという歴史的な功績にあり、商業的にトップ・バンドであったということが理由ではない。

そもそも音楽、特にアルバムにお金を払うという文化がすっかり廃れた現代においては、「アルバム」という単位にこだわる世代のファンを抱えているベテランが相対的に有利であり、ましてや彼らのようにバンドを「神」と崇める忠実なファンがついていればなおのことである。

そして現代においては「JUDAS PRIESTのアルバムを買う」というコトは、単なる購買・所有以上の意味がある。「JUDAS PRIESTのアルバムを買った」ということをSNSでシェアすれば、それは己がメタラーであるということを宣言したことになるのだ。

「自分はこんな人だ」ということを発信したい人間で満ちている現代において、JUDAS PRIESTというのはアイデンティティの表明として「わかりやすい」ツールなのである。記号性を持つことは重要である。

いきなり話が逸れたが、再結成後のJUDAS PRIESTのアルバムをそれほど良いと思っていない（悪くはないが）私としては、今の彼らに大して期待はしていなかった。

このアルバムの売れないご時世、もう新作など作らずに、体力の許す範囲でライブをやって、コアファン向けの過去作品のリイシューやマーチャンダイズで老後の生活費を稼いでくれればいいんじゃないかな、くらいに思っていた。

しかし、新作のタイトルが『FIREPOWER』と聞いて、ちょっと期待感が生まれた。なんかキャッチーじゃないですか、響きが。力があるというか。

ノリとしては『PAINKILLER』とか、『THUNDERSTEEL』に近いというか。

まあ直訳すると「火力」でなんかマヌケですが、『PAINKILLER』だって和訳したら「痛み止め」ですからね(笑)。

いや、経験則として、タイトルとかアートワークが優れている作品は内容も良いことが多くてですね。そういう意味で期待できるな、と。

そして実際、1回通しで聴いた印象として、ロブ復帰後で一番いいんじゃないの、と感じ、複数回聴き込んでみてもその印象は揺るがなかった。

いや、別にリッパー時代が良かったわけではないから実質「ロブ脱退後」で一番か。となると『PAINKILLER』以来28年ぶりの良作ということになる。

まず冒頭を飾るタイトル曲の「Firepower」が、曲名から期待される通りのエネルギーを感じられるソリッドなメタル・チューンだし、続く「Lightning Strike」も、これまた典型的と言ってもいい、ミドル・テンポのヘヴィ・メタルのお手本みたいな曲。こういうツカミの良さはメタルのアルバムにおいては重要。これで既に好印象。

アルバム折り返し時点の7曲目で序曲的なインストを挟んで、本作のハイライトというべきドラマティックな#8「Rising From Ruins」（これは久々の名曲ではないか）につながるあたりには、A面・B面で前半後半が分かれていたアナログ時代のバンドの意識が感じられる。そして結果としてそれによってアルバムの中だるみが回避されているという面もある。

アルバム全体を見ると、彼らの悪い癖である（？）中途半端なポップさが所々に顔を出していたり、淡泊というか平凡な曲も多いが、全体的にオーセンティックなメタル・リフがザクザクしていて気持ち良く聴けるため、聴き終えての印象は悪くない。

多様化を極めたメタル・シーンにおいてこの音はあまりに「普通」かもしれず、もはやこのバンドの個性はほとんどハイトーン・スクリームを使わなくなってなお、声質自体でメタリックな印象を与えることができるロブ・ハルフォードのヴォーカルだけかもしれない。

しかしJUDAS PRIESTは「基本」なのだから「普通」でいいのだ。むしろ「普通」を徹底してくれる方が彼らの場合物議を醸すまい。そういう意味でファンの期待に応えた、良心的なアルバムだと思う。

K.K.ダウニング（G）の脱退に続き、リーダー格だったグレン・ティプトン（G）もパーキンソン病でツアーを離脱（代役は本作のプロデューサーに名を連ねているアンディ・スニープ）するなど、いよいよ「終わり」が見えてきてしまったJUDAS PRISTだが、本作がラスト・アルバムになったとしても、晩節を汚したと言われることだけはないはず。【84点】

◆本作収録「Lightning Strike」のMV

THOUSAND EYES / DAY OF SALVATION

近年絶好調な日本のメロディック・デス・メタル・シーンの中核を担うTHOUSAND EYESのサード・アルバム。

前2作をリリースしていたSPIRITUAL BEASTを離れ、自主レーベルからのリリースとなっている。しかしそんな情報はどうでもいい。

いや、こりゃ凄い。とんでもない。再生してほんの数秒、JUDAS PRIESTの「Hellion」を思わせるイントロ曲の最初の4小節を聴いただけで「こりゃ傑作だな」と予感したが、予想を遥かに超える素晴らしさにグイグイ引き込まれ、聴き終えてしばし茫然自失。

楽曲のクオリティ、演奏、そして日本のバンドの弱点になりがちな歌唱（咆哮？）とサウンド・プロダクションまで一分の隙も無い。アグレッションと叙情性、怒りと泣きが怒濤の如く迸り、聴き手を翻弄する。

勢いのある楽曲ばかりなのに、楽曲単位でもアルバム単位でも緩急のメリハリがちゃんとついているというのが凄い。それは高度に計算された構成力の賜物であるはずなのに、計算など感じさせない激情の産物に響くのがまた凄い。

カタルシス、Googleで検索すると「舞台の上の出来事（特に悲劇）を見ることによってひきおこされる情緒の経験が、日ごろ心の中に鬱積(うっせき)している同種の情緒を解放し、それにより快感を得ること。浄化。」と出てくる。

意識的にせよ無意識にせよ、多くの人にとってHR/HMという音楽を聴くことはこのカタルシスを得て、怒りや悲しみといったネガティブな感情を浄化し、快感を得ることが目的になっていると私は思っているが、ここには最上級のカタルシスがある。そういう意味では究極のHR/HM作品と言っていいかもしれない。

ネガティブな感情に囚われがちだった思春期にこそ、このアルバムに出会いたかった。「日本のバンドはちょっと…」「ヴォーカルがデス／ハードコアっぽいのはちょっと…」という人でも騙されたと思って聴いてほしい、そんな傑作である。【93点】

◆本作のティザー


◆本作収録「Days Of Salvation」のMV

個人的に#4「Lost Forever」が大好きなので、その曲でもMV作ってほしい。

ANGRA / OMNI

MEGADETHに加入したキコ・ルーレイロ（G）が実質脱退し（本作では１曲のギター・ソロのみに参加。ラファエルの表現を借りると、「ファミリーではあるがメンバーではない」）、後任にマルセロ・バルボーザ（KHALLICE, ALMAH）を迎えて制作された、ファビオ・リオーネ（元RHAPSODY OF FIRE）加入後第2作目。

前作「SECRET GARDENS」は、プログレッシヴ・メタル色が強く、ラファエル・ビッテンコート(G)がリード・ヴォーカルをとる曲が4曲もあったこともあり、ややラファエルのソロ・アルバム的な趣があったが、本作はファンがANGRAと聞いて期待するサウンドが全方位的に（そしておそらく意図的に）表現されている。

日本のファンがイメージする、明朗なメロディック・パワー・メタルと、テクニカルなプログレッシヴ・メタルを主軸に、シンフォニックなアレンジ、母国ブラジルの民族音楽のエッセンスを随所に取り入れた黄金のANGRAサウンドは、その楽曲タイプの収録バランスや曲順、コンセプト・アルバムという仕立てまで、制作のイニシアティブをとったラファエルが、名作「TEMPLE OF SHADOWS」を意識していることが端々から伝わってくる。

#5「The Bottom Of My Soul」に#9「Always More」と、バラード系の楽曲を2曲も収録しているのも、「TEMPLE OF SHADOWS」から「Wishing Well」というバラード系の楽曲が母国ブラジルでヒットしたことと無関係ではないかもしれない（特に前者を自分で歌ったことは、あわよくば自分が歌った曲をヒットさせたいと思っている？）。

もはやオリジナル・メンバーが自分だけ、そして前作が好評とは言い難かった状況だけに、「失敗できない」というプレッシャーは相当なものだったに違いない。

過去の名盤を再現しよう、などという「守りの姿勢」に入った試みは往々にして失敗しがちなものだが、本作については「TEMPLE OF SHADOWS」を超えているとは言えないまでも、それがかなり高いレベルで成功していることは間違いない。

非常に音楽的密度が濃く、複雑に構築された音楽ながら、随所に彼ららしい伸びやかなメロディと心地よい疾走感のマリアージュが存在するため、それほど難解な印象を持たずに聴き通せるのが良い。

キコ・ルーレイロの代役という重任を任されたマルセロ・バルボーザも、ALMAHで披露していたバカテクを遺憾なく発揮しており、おそらく過去曲の再現も問題ないであろうという安心感を与えてくれる。

アンドレ・マトスやキコ・ルーレイロというスター性のあるメンバーの陰に隠れがちだったラファエルの「してやったり」という表情が透けて見えるような充実作である。

デビュー以来のオールド・ファンとしては、ファビオの歌唱に「コレジャナイ感」もないわけではないのだが（とはいえもちろん過去のシンガーに比べて実力的に劣る所は全くなく、しかも前作に比べれば「ANGRAっぽく」歌おうとしているように感じられる）、久々に新しいファンを獲得できそうな、優れた仕上がりのアルバムであることは間違いない。【88点】

◆本作収録「War Horns」のMV

ARK STORM / VOYAGE OF THE RAGE

太田カツ（G）率いるARK STORMの、2004年リリースの『THE EVERLASTING WHEEL』以来、約13年ぶりの復活作。

ベーシストが現在BABYMETALのサポートで活躍している瀧田イサムから松本拓郎に代わっており（ただし本作のベースは太田カツがプレイしている）、ヴォーカリストも佐々井康雄（元SABER TIGER, SHY BLUE, 現GERARD）が脱退し、本作ではゲストとしてマーク・ボールズ（元YNGWIE MALMSTEEN’S RISING FORCE, RING OF FIRE他）が歌っている。

太田カツ氏は恐らく全人類で最もイングヴェイに近いギター・プレイをする人物で、必然的にARK STORMの音楽もイングヴェイ直系のネオクラシカルHM。そこにマーク・ボールズの歌がハマらないわけがない。

前任の佐々井氏もなかなか良いヴォーカリストだったと思うが、やはりマーク・ボールズの歌唱はパーフェクトで、本作からジャパメタ臭を完全に消し去っている。

楽曲はこれまでの作品ほどコテコテのネオクラ様式美路線一本鎗ではないが、楽曲の幅はイングヴェイがプレイする音楽の幅を逸脱することはないので、この手のサウンドが好きな人であれば安心して楽しむことができるだろう。

1曲目の「Glory Forever」（なんというコテコテな楽曲タイトル！）から、これまでのARK STORMとしてはやや異色ながら、このスタイルのサウンドが好きな人であれば一発で気に入るであろうカッコよさがある。

一方で、ブリッジがメチャクチャカッコいいのに、サビはやや盛り上がりに欠けるという不完全燃焼感はアルバム全編にあり、手放しで名盤と褒められない歯がゆさはあるが、このクオリティのピュア・ネオクラシカル作品は昨今そうそうお目にかかれないので、この手のサウンドのファンであれば聴いておくべき一枚であると断言できる。

全10曲、うち2曲がインストということでちょっと物足りなさはあるが、むやみに曲が多くて聴き疲れするようなアルバムよりはるかに印象はいい【84点】。

◆本作のトレーラー映像1


◆本作のトレーラー映像2

LOUDNESS / RISE TO GLORY -8118-

DEEP PURPLEやALICE COOPER、DEF LEPPARD、FOREIGNERといったクラシック・ロックから、GAMMA RAYやSTRATOVARIUS、ANGRA、DRAGONFORCEといった当サイト／ブログ御用達（？）のパワー・メタル系アーティスト、THE BRAND NEW HEAVIESにINCOGNITOといったアシッドジャズまで、幅広いアーティストが所属するドイツの『ear MUSIC』から世界同時発売される、LOUDNESSの通算27作目のフル・アルバム。

アルバム・タイトルに付いている「8118」というのは、彼らのデビューが1981年で、現在が2018年、という所から来ているのでしょう。

ここ数年、『THUNDER IN THE EAST』30周年に始まる限定盤の発売や、それに伴うメモリアル的なニュアンスの強いライブを行なってきた関係か、あるいは海外のフェスにおいても求められている楽曲が80年代のクラシックであるということを肌で感じたせいか、本作では1992年の『LOUDNESS』以来、最も80年代的といっていいサウンドが展開されている。

無駄な（？）ヘヴィさはなく、ソリッドでメリハリの効いたギター・リフをメインにしつつ、ヴォーカル・ラインも近年稀にみるメロディ重視の姿勢が感じられ、「高崎さん、本当にやりたいことやってますか？」と逆にこっちが心配になるほど（笑）。

まあ、とはいえ90年代以降のエッセンスも入っているし、80年代回帰な部分については久方ぶりのワールド・ワイド・リリースということで、ファンのニーズに当てに行ったものだとしても、実際それで私は楽しめているのだから文句はないのですが。

高崎晃のギターもギンギンで、本人をして「今世紀に入って一番弾いた」と言わしめる、間奏の域を超えたフラッシーなテクニカル・プレイが満載で、その点においてもファンの留飲を下げることだろう。

先に「無駄なヘヴィさはない」と書きましたが、そう、LOUDNESSは「ラウドネス」であって「ヘヴィネス」ではないのですよ。彼らのライブを体験した人であれば、彼らのライブがエクストリーム・メタル系のバンドと比べてもラウドであることは実感しているはず。

そういう意味で、本作のサウンドは正しく「ラウドネス」であり、個人的にはやはりこのサウンドこそがこのバンドに求められているものだと思うし、追求すべき音だとも思う。正直90年代以降のこのバンドの音って、若いバンドに張り合って無理しているようにも映りましたからね。

惜しむらくは「Crazy Docter」や「Crazy Night」のようなキラー・チューンに欠けることで、本作に満足しきれない要素があるとすれば、そこかなぁ。まあ、デビューから40年近いキャリアを重ねている人たちに全盛期と同じマジックを求めちゃいけないのかもしれないんですが。

随所に「おお、このリフ・パターンは…」「この展開は…」と往年の名曲を想起させる瞬間があったりして、私のように80年代のサウンドにしか思い入れのないファンが聴いても楽しめる作品に仕上がっていることは間違いないんですけどね。【84点】

◆本作収録『Soul On Fire』のMV